Sao Paulo, una metrópolis
El tejido urbano de Sao Paulo (como el de toda metrópolis o región metropolitana) es un entramado que crece al margen de cualquier posibilidad de control reglado, que aglutina y reacciona a las condiciones y necesidades de ocupación de individuos pertenecientes a clases socio-económicas ya no sólo distintas, sino abismalmente opuestas entre sí. La exposición Sao Paulo 300 mm es una aproximación a ese complejo y mutante sistema urbano: a través de la presentación de hechos y situaciones paradigmáticamente definitorios de la realidad presente de la ciudad, Ariadna Cantis y Alexandre Cafcalas, sus comisarios, tratan de dejar patente los modos en que se concreta una dinámica arquitectónica y urbana promovida por «tres actores inconstantes: la sociedad, el poder público y los arquitectos».
Fenómenos en sí mismos. Cantis y Cafcalas han identificado una serie de «eventos recientes que han representado hechos importantes para la reconstrucción del tejido urbano y su discusión, y que al mismo tiempo no dejan de ser fenómenos sociales más o menos novedosos en sí mismos». Por un lado, se presenta el trabajo que desempeña un colectivo de jóvenes profesionales de la arquitectura, Vilanova Artigas y Paulo Mendes da Rocha, cuyo nexo ideológico es el de intentar mantener una continuidad con respecto a los principios disciplinares de los principales teóricos de la tradición arquitectónica y de planificación de la ciudad. Por otro lado, se revelan acciones arquitectónicas y urbanas que se desarrollan al margen de la oficialidad y en las que los comisarios integran la reconversión de edificios en centros de uso colectivo, el uso de las infraestructuras de la ciudad como soportes de expresión creativa y la ocupación ilegal de viviendas.
Acercarse al tema de las grandes urbes que crecen desenfrenada y desarticuladamente es un fenómeno que fascina a los arquitectos. Durante siglos, ha sido posible abordar intelectualmente el hecho urbano, pero estas megaurbes del presente se escapan a toda posible domesticación y comprensión integral mediante una concepción racional. Por eso, aquéllos que reflexionan sobre la ciudad no hallan el punto donde fundamentar su trabajo. Seguramente, porque ese posible eje ya no existe.
Lecturas personales. No escapa a los responsables de Sao Paulo 300 mm que las megalópolis están compuestas por diferentes estratos, que individualmente ofrecen una propia lectura e interpretación; del mismo modo que intuyen que son precisos nuevos modos de construir que permitan la reaproximación crítica o analítica. Utilizando registros fotográficos y de vídeo digital realizados por fotógrafos y artistas de la ciudad como herramientas que tratan de trasladar al recinto expositivo la complejidad de Sao Paulo, la muestra se distribuye en nueve secciones: «Paisaje operativo», un tránsito visual de introducción-situación que se realiza a través de imágenes panorámicas de la zona central de la ciudad realizadas por Nelson Kon; «Sao Paulo, lado B», una serie de fotografías de Tuca Vieira y Bob Wolfenson en las que se plasman detalles que encapsulan las dinámicas cotidianas y el latido de la vida urbana; «Enseñar periferias», con propuestas de estructuras prefabricadas diseñadas como parte de un importante programa oficial que tiene como objetivo construir cien escuelas en la periferia urbana; «Interfaces de movilidad», que describe las iniciativas para mejorar las redes de circulación vehicular y la identidad visual de los transportes públicos; «Ciudad ficción», que plantea cómo la actual generación de arquitectos recién graduados únicamente parece encontrar sus salidas profesionales y creativas en la construcción de viviendas para las clases privilegiadas en condominios alienados; «Reactivación central», que se centra en los proyectos de reactivación del casco histórico paulista; «Ocupación vertical», que expone el caso paradigmático de la masiva ocupación ilegal de un edificio organizada por una asociación de personas sin techo; «Intersticios apropiados», que evidencia cómo la ciudad es soporte de actos creativos espontáneos, reflejo de la identidad ciudadana; y «Ciudad imprevista», una muestra de la yuxtaposición de diferencias socio-económicas sobre la textura del tejido urbano. La evidencia es que Sao Paulo es intrínsecamente tan complejo y que cada uno de estos nueve temas da pie para una reflexión individual lo suficientemente interesante y plena de sentido en sí misma.
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Más allá de Niemeyer
Hugo Segawa analiza el papel y la relevancia de la arquitectura en Brasil y su insuficiente proyección en el extranjero pese a la calidad de sus profesionales.
El movimiento moderno en Suramérica logró que un estilo arquitectónico universal y global tuviera una versión local.
Oscar Niemeyer ocupó un momento histórico. Pero tapó mucho de lo que otros arquitectos hacían en Brasil.
El arquitecto Hugo Segawa (São Paulo, 1956) eligió la academia frente a la práctica porque trabajando en la revista Proyectos se dio cuenta de que la reflexión era fundamental para la arquitectura. La falta de publicaciones especializadas ha causado, para él, muchos de los falsos tópicos sobre la arquitectura latinoamericana y su desconocimiento para el resto del mundo. Sus progenitores japoneses resumen, en dos pinceladas, la historia del siglo XX. Su padre trabajaba en Wall Street, pero tuvo que salir de Estados Unidos cuando estalló la Segunda Guerra Mundial. Su madre era una niña cuando llegó a Brasil con sus propios padres, agricultores japoneses que emigraron, en los años veinte, para trabajar allí. “Hace poco regresé a Japón como profesor invitado. El sentimiento fue extraño. Allí parezco japonés pero soy brasileño. Como descendiente de japoneses he recibido una educación del Japón de principios del siglo XX, el Japón de mis padres. Y es evidente que el país hoy es otro, más cosmopolita”. Los padres de Segawa hablan japonés entre ellos. “Pero mi cultura es brasileira”, apunta.
Desde esa perspectiva y alejado de nacionalismos, Hugo Segawa mira el mundo. Cree, como Guimarães Rosa, que Brasil y el resto de Suramérica son como hermanos siameses: “Cosidos por la espalda pero incapaces de verse el rostro”: “Miramos para lados distintos. Pero tenemos problemas y contradicciones comunes. Buscamos referencias en Europa o América y no nos fijamos en lo propio. Tiene que pasar algo espacial, por ejemplo la experiencia urbana de Curitiba [una ciudad brasileña que se ha convertido en un modelo internacional para el crecimiento sostenible], para que seamos capaces de encontrar valores en lo nuestro. La idea de Curitiba se interpreta en Colombia, Chile y muchos otros sitios. Pero hasta que no se les presta atención desde Europa o Estados Unidos algunas cosas parecen no existir”.
Segawa atribuye esa falta de confianza al colonialismo. “Brasil se ha pasado años mirando a Portugal. Suramérica a España. Y todos mirábamos a París. Volvíamos a las matrices culturales en lugar de preocuparnos por desarrollar una cultura propia. Luego Estados Unidos decidió dejar de mirar a París y todos empezamos a mirarlos a ellos. La posguerra mundial desarrolló un panamericanismo comandado por Estados Unidos por el temor de que allí tenían a los dictadores que se estaban adueñando de los países: Perón o Getulio Vargas. Así, históricamente, los norteamericanos miraron a Latinoamérica para protegerse. Luego volvieron a mirar para desterrar el comunismo y calmar a su izquierda”.
Segawa no pone reparos a hablar sobre el presidente brasileño, Luiz Inácio Lula da Silva, que comenzó sus campañas prometiendo tres comidas al día para todos los brasileños y hoy se ha moderado. ¿Dónde ha quedado su revolución? “Hoy es mucho más conservador que Chávez o Evo Morales. Pudo ser una estrategia propagandística, pero yo creo que la realidad, en un país como Brasil, no permite cambios radicales. Hay situaciones muy arraigadas. Lula ha sido candidato tres veces. Y sólo ha ganado con el discurso más moderado. La izquierda se siente traicionada, pero él ha debido adaptarse al gusto de la mayoría de votantes. ¿Cómo puede haber una mayoría conservadora en Brasil? Las tremendas desigualdades sociales generan momentos de crisis aguda. Pero no hay que engañarse, son momentos puntuales. Hay muchos más momentos de conciliación”.
De izquierda a derecha: escuela FDE y casa en Iporanga, de Andrade Morettin arquitectos; una imagen de ocupación vertical y las estaciones de transferencia de transporte público en Sao Paulo. Fotos: Nelson Kon.
Hubo un movimiento moderno en Suramérica que logró que un estilo arquitectónico universal y global tuviera una versión local. En los años cincuenta, la arquitectura de Brasil consiguió gran prestigio internacional. “Duró hasta que se construyó Brasilia. Tropicalizaron a Le Corbusier. Y gracias a esa adaptación, los países suramericanos comprendieron que el movimiento moderno podía también hablar un idioma local”.
La tropicalización se traducía en elementos que hoy llamaríamos sostenibles. “Suramérica está atravesada por los trópicos. Le Corbusier no diseñaba para países en los que el control solar es fundamental. Construíamos para mantener el fresco y evitar el sol excesivo. Antes de que Le Corbusier diseñara Chandigarh, en Suramérica ya habíamos hecho arquitectura moderna en países pobres. La adaptamos a nuestras necesidades. Ésa es la clave. Los brise soleil no existían en la arquitectura moderna. Luego gustaron y hasta en Finlandia los copiaron en sus fachadas sin necesitarlos, como un formalismo”. También las formas curvas de Hadid, Koolhaas o Calatrava remiten al tropicalismo. “Y Foster. El Evening Standard insinuó en enero de 2007 que su proyecto para Wembley está inspirado en el que Niemeyer dibujó para Maracaná en 1941 con un arco para sostener una cubierta. No ganó pero fue publicado. La referencia era el Palacio de los Sóviets”.
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Apostar por lo simple
Acabamos de asistir al acto fundacional de tres ciudades en un solo día, tres espacios urbanos sin consolidar, en su estado más primigenio. Tres salas oscuras que envuelven en la noche la arquitectura latente. Así se presentan cien pequeñas maquetas, de cien estudios de lo más variopinto, sobre un planeamiento reticulado de cartón con ligeros accidentes. Sobre estos prototipos se nos aparecen los hechos urbanos como obras de arte, tal y como los explicó Aldo Rossi. Cada hecho urbano, una maqueta; cada maqueta, una obra de arte; cada obra de arte, el sustrato de una arquitectura; y, finalmente, cada arquitectura, el germen de la ciudad futura. La ciudad de las ideas.
Lo que estuvo allí. Una muestra de lo substancial, de lo que queda de las ciudades cuando vuelves al principio, mucho antes del primer hecho construido, de aquél que parece que siempre estuvo allí. Antes incluso de la elección de cualquier lugar. Se trata de regresar al momento en el que todas las ideas podrán ser arquitectura. Al momento en que el hombre quiso ser arquitecto.
En esta exhibición de ilusiones, los estudios se desnudan en su propia casa, en la Fundación del Colegio de Arquitectos de Madrid. Un espacio a oscuras en el que el pudor desaparece. Cada oficina presenta una maqueta de trabajo. Este es un sistema que utiliza el arquitecto para hablar consigo mismo, otra manera de mirarse al espejo y mantener una conversación con su alter ego para tratar de llegar a alguna conclusión convincente. El cruce de conversaciones silenciosas se convierte en una jaula de grillos, en ruido urbano, en vida, en una suerte de Burning Man.
En medio de la nada. El Hombre Ardiendo es un festival de arte que se celebra, cada año, en el desierto de California. En una semana, una ciudad de trescientos mil habitantes aparece, se organiza y desaparece en medio de la nada. Sus habitantes, artistas desinhibidos, con sus propias reglas, sin complejos, deambulan produciendo un concierto barroco de infinitas posibilidades. Trapecistas haciendo un número de acrobacia colgados de dos grúas gigantes de construcción, disfrazadas de flor, cientos de personas vestidas de conejo se manifiestan exigiendo bunny power, mientras una enorme serpiente mecánica de metal se mueve en el centro del campamento y escupe fuego. Un lugar donde todo es posible, al menos durante una semana. Así se presenta esta primera iniciativa de la proto-arquitectura.
Para Paloma Sobrini, reciente decana del Colegio de Arquitectos de Madrid, la muestra aparece «en un tiempo en el que el dibujo asistido por ordenador nos puede encauzar en un mundo de ilustración arquitectónica y posibles engaños»: «Nos ha parecido importante apostar por la maqueta de idea inicial como generador de espacio noble y sin trampas. Hay territorios que no debíamos nunca abandonar», señala.
Los encargados de esta iniciativa pertenecen a la comisión de cultura del COAM, compuesta por Rubén Picado, María José de Blas, Luis Úrculo, Néstor Montenegro, Carmen Reques, y María Cortina, todo ellos con la colaboración de Carmen García Jalón, Gerente de la Fundación, y de Beatriz Matos, vocal de Cultura.
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La inventiva reivindicada
Los parámetros con que se ha definido la intervención de Cataluña como cultura invitada y protagonista de la presente edición de la Frankfurter Buchmesse han sido objeto de controversia y debate. El torpe intento de corrección de urgencia para remendar una decisión a través de la que se dio a entender que la cultura catalana es exclusivamente la producida en esa lengua, tratando posteriormente de invitar y destacar la importancia de autores castellano-parlantes dentro del panorama literario catalán, no sirvió más que para poner en evidencia los intentos tendenciosos de una ideología política empeñada en establecer unos artificiosos criterios de identidad nacional. Leer el resto de esta página »
El propio escrito de Imma Monsó en representación de los autores catalanes en Frankfurt es reflejo de las dicotomías, de ese permanente estado de irreconciabilidad forzado entre lenguas, en una región cuyo paisaje antropológico y lingüístico está en este momento transformándose sustancialmente con la llegada de inmigración y en el que el centralismo de Barcelona minimiza la actividad cultural periférica. Entre las actividades paralelas de difusión de la cultura catalana que están teniendo lugar en la ciudad alemana se cuenta la exposición Construcciones Patentes. Nueva Arquitectura hecha en Cataluña, una propuesta cuyo valor es haber sabido huir de las limitaciones que impone cualquier aproximación ideológica nacionalista para generar perspectivas teóricas críticas a través de una reflexión en la que el campo de estudio es lo local. Inaugurada el pasado 14 de septiembre, ha sido financiada por el Instituto Ramón Llull y el Instituto Catalán de Cultura. En ella ha participado el Deutsches Architektur Museum y, desde la editorial ACTAR, ha sido comisariada por Albert Ferré, Jaime Salazar y Ricardo Devesa.
Debate activo. Trabajando con una amplitud de miras global, a través de proyectos editoriales mediante los que han construido una específica concepción del libro de arquitectura, con mayores o menores aciertos, ACTAR (www.actar.es) viene apostando desde sus inicios por desarrollar un intenso papel como activador del debate arquitectónico internacional. Su influencia como actor crítico y su localización en Barcelona hacían de ACTAR un candidato inevitable para hacerse cargo de una presentación de la arquitectura más reciente en Cataluña, que indirectamente expusiera un estado de fuerte vanguardia cultural.
Como en su propio título se da a entender, la exposición elude forzar a partir de la arquitectura disquisiciones sobre la identidad y prefiere centrarse en obras arquitectónicas construidas a lo largo de los últimos cinco años en Cataluña, que hagan patente su potencial como centro de innovación arquitectónica. Pero logran producir algo mucho más interesante. Mediante Construcciones Patentes. Nueva Arquitectura hecha en Cataluña, ACTAR ha reaccionado inteligentemente, brindando un trabajo que no acepta quedarse encasillado en visiones nacionalistas y que transforma lo que podría haber sido un restrictivo ejercicio de complaciente proselitismo ideológico en un análisis crítico de arquitectura basado en casos de estudio locales. Esquivan la esquizofrenia patriótica, los lugares comunes de la idea de lo catalán aplicados a la arquitectura y logran ofrecer un trabajo de estudio con significación universal, cuyo eje es la necesidad de reflexionar acerca de la actitud mental del arquitecto en el statu quo contemporáneo. Comprendiendo la idea de la innovación como un motor fundamental para el progreso y la supervivencia de cualquier industria -que es paradójicamente rechazada cuando se produce en el ámbito arquitectónico-, el trabajo curatorial reivindica la necesidad de que el arquitecto actúe como innovador en su terreno.
Tags: arquitectura, Construcciones Patentes, exposición, opinion
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Una Historia muy Visual
Los actos conmemorativos del décimo aniversario del museo tienen en la muestra titulada “art in USA: 300 años de innovación”, comisariada por Thomas Krens y un equipo de especialistas, una de sus citas estrellas.
Art in USA: 300 años de innovación.
Museo Guggenheim de Bilbao.
Hasta el 27 de Abril de 2008.
Cuando uno va al Guggenheim a ver una exposición sabe o debe saber a lo que va. Al cabo, bajo este internacional nombre se inventó la fórmula mágica que equivale a exposiciones generales y genéricas cuyo discurso teórico es más bien práctico. De tal forma que a los que tienen la teoría superada se les queda corta o les sabe a poco la práctica y a los que no tienen la teoría superada les vale con práctica, tan contentos. Que una exposición esté hecha para el gran público tampoco en un desdoro. En esas estamos, porque esta muestra montada para celebrar los diez años del Museo Guggenheim, de Bilbao, cumple a la perfección la norma de la casa. Sólo habrá que esperar los seis meses que estará en cartel para cuantificar los miles de turistas que la visiten. Seguro que habrá récord ya que estamos de cumpleaños redondo. Sabemos de antemano que el éxito está asegurado. Poco importa lo que se escriba para bien para mal sobre ella. La pregunta es si superará a las que se hicieron sobre China o sobre Rusia o los Aztecas hace unos años. Es la dinámica del Guggenheim. Como la máquina de conteo no ha hecho más ponerse en marcha, ahora, es el turno de los comentarios sobre estos 300 años de innovación en el arte de Estados Unidos, pero luego todo se olvidará frente al poder de los números. Definitivos, y para ello ya llevan diez años de experiencia en estas lides.
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Tags: arquitectura, Art in USA 300 años de innovación, exposición, Museo Guggenheim Bilbao, opinion
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El Camp Nou 1957-2007 … y 10 nuevas propuestas
Con motivo de la celebración del 50 aniversario de la inauguración del Camp Nou, el Fútbol Club Barcelona, con la participación del Colegio de Arquitectos de Cataluña (COAC) y la colaboración del Ayuntamiento de Barcelona, convoca un concurso internacional para proyectar su remodelación. La huella, sin embargo, del Camp Nou, nacido en 1957, prevalecerá en la estructura del nuevo edificio, así como el esqueleto de un organismo de lo que se regenera el tejido.
Los 10 equipos seleccionados para la última fase han sido Domingo-Ferre, CRV Arquitectos, Herzog & De Meuron, Foster & Partners, Sanaa, Martínez Lapeña-Torres, MAP-architects, GMP International, Ferrater-Serra-Vives-Cartagena-Arusport, y Claves|Llaves Kaan Architecten: todos ellos conjugan el espíritu del arquitecto del siglo XXI.
La Demarcación de Barcelona del COAC organiza una exposición en la que se puede ver el material de todas las propuestas participantes y la seleccionada, junto con el proyecto de 1957 de los arquitectos Medios, Soteras y G. Barbón, en lo que se convierte en una oportunidad para comprender un trabajo completo, desde su origen hasta hoy.
Lugar y fechas:
Del 25 de septiembre al 10 de noviembre de 2007
Sala de Exposiciones del COAC
Plaza Nova, 5. Barcelona.
Tags: Camp Nou, Colegio de Arquitectos de Cataluña, exposición, Foster
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Le Corbusier en el Vitra Museum
Vitra Design Museum, Weil am Rhein, 29.09.2007 – 10.02.2008.
Una exposición del Vitra Design Museum en colaboración con el Nederlands Architectuur Institut y el Royal Institute of British Architects. Comisarios: Stanislaus von Moos, Arthur Rüegg, Mateo Kries
Hasta hoy, la obra de Le Corbusier (1887 – 1965) ocupa una posición central en la discusión sobre arquitectura y urbanismo. No obstante, desde 1987, ya no ha tenido lugar ninguna exposición amplia de su creación. Es por eso que el Vitra Design Museum, el Nederlands Architectuur Institut y el Royal Institute of British Architects se han unido, organizando una retrospectiva de la obra del “Architect of the Century“. “Le Corbusier – The Art of Architecture“ se mostrará desde el 29 de septiembre de 2007 hasta el 10 de febrero de 2008 en el Vitra Design Museum en Weil am Rhein. A continuación, la exposición se podrá ver en Lisboa, Liverpool, Londres y otros lugares. La obra de Le Corbusier que impresiona por su diversidad, se extiende sobre un período de 60 años - comenzando por sus primeras construcciones en su ciudad natal suiza La Chaux-de-Fonds, pasando por las “villas blancas” de los años veinte, como la Villa Savoye (1928-31), hasta su obra tardía, entre cuyos puntos culminantes se cuentan p.e. las construcciones en Chandigarh, India (1952-64). La exposición muestra el gran número de estas obras en un resumen cronológico. Dividida en las tres áreas, relativamente independientes, “Contexts”, “Privacy and Publicity” asi como “Built Art”, destaca, al mismo tiempo, temas que facilitan una base importante para la comprensión de la obra de Le Corbusier. Uno de ellos es su interés por lo mediterráneo y el Oriente, su tendencia hacia las formas orgánicas en los años treinta, pero también su interés por nuevas tecnologías y medios. Sólo al contemplar estos y otros aspectos conjuntamente, se puede conseguir una comprensión global de una Obra cuya idea clave era la “síntesis de las artes”, que se manifiesta en la conjugación típicamente corbusiana de arquitectura, urbanismo, pintura, diseño, cine y otras disciplinas.
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Tags: arquitectura, exposición, Le Corbusier, Vitra Museum, Weil am Rhein
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Diálogos en Silencio
“La Ciudad Portátil” –Eduardo Gruber-
Palacio de la Caja Cantabria, Santillana del Mar
hasta el 16 de Septiembre
Tras sus pinturas dedicadas a las ciudades –como las de la exposición de Tijuana-Frankfurt-, sus escenografías –como la de la ópera Der Freischüz, de Carl Maria von Webwr-, y sus trabajos directamente relacionados con la arquitectura –como el diseño de los edificios del saneamiento Saja-Besaya de la Confederación Hidrográfica del Norte-, Eduardo Gruber (Santander, 1949) ha instalado nueve grandes cubos, de cuatro metros de lado, entre los árboles solemnes de un jardín agreste. En algunos, una estructura de mecanotubos de soporte visible a la retícula formada por listones de madera pintada de blanco de manera imperfecta. Las vetas medio visibles, la irregularidad de las maderas, las anotaciones a lápiz, los lazos de sujeción, remiten al trazado medido y gestual de las estructuras arquitectónicas que protagonizan sus pinturas recientes. Cada obra, con un fuerte aliento poético de intervención dialogante, respetuosa, va apareciendo escondida en el bosque como una sorpresa nacida de lo regalado, entre el sentido intuido y profundo de lo natural.
Vocación de Transparencia. Son viviendas trasparentes, casas permeables, jardines zen, lugares para la meditación, celosías, construcciones traslúcidas, cristalinas, arquitecturas para soportar lo imaginario al margen de toda utilidad. Su vocación de transparencia se manifiesta y subraya en el fragmento mágico de muro construido con trozos de listones, a modo de ladrillos, unidos o separados, en vez de por argamasa, por aire. La ubicación de cada obra –adecuada para un recorrido estimulante-, y el acierto de la escala –en una medida que permite la concurrencia de lo paisajístico, lo arquitectónico y lo escultórico (el espacio del hombre y del árbol, la presencia del aire entre las hojas, entre las celosías, la constancia del vacío)- son determinantes en la exaltación que provoca el paseo. Podemos ver pájaros, erizos, lechuzas, como aportación del medio a la convivencia que proponen estas no-jaulas, abiertas a un bosque igualmente transparente. Otra característica definitoria es la del tránsito, la integración, la prolongación en el paisaje, las diferentes formas de diálogo de cada obra con su entorno. Al lado de una de las construcciones podemos ver algo parecido a un cementerio de pequeños listones verticales manchados de tierra por las salpicaduras de la lluvia; en el exterior de otra, grandes hitos dispersos, líneas rectas que dialogan con la verticalidad de los árboles. Uno de los espacios interiores aparece habitado por un gran plátano de Indias. Cuya copa se pierde en las alturas. Frente a otras de las construcciones diáfanas se extiende un suelo flotante de rectángulos blanco. En todos los casos, la habitación se derrama en una forma de transparencia añadida.
Nos dice Castro Flóres que “arquitectura y bosque se enredan, gracias a Gruber en un simbolismo extremadamente abierto”. Cada una de las obras y, sobre todo, la instalación de todo el conjunto, compone un dialogo con el bosque, unas retículas que surgen entre las retículas naturales, unas celosías entre celosías que, a la vez señalan un enfrentamiento: la línea recta, la medida, la ortogonalidad, el germen de la realidad nombrada frente al misterio indesifrable de lo real.
Paisajes sensoriales. La conversación establecida por cada habitación es más doméstica, más cercana. Al lado de la propuesta general arquitectónica y paisajística, cada fragmento de la celosía deja convertido el bosque en múltiples cuadros, paisajes de vegetación, aire, luz, movimiento, que señalan inevitablemente el discurrir del paseante. El autor ha estado dudando a la hora de poner el título y, por discreción ante las connotaciones excesivamente líricas o manidas, ha optado por la alternativa más llana de “La ciudad portátil”. Hubiera sido mejor la otra posibilidad, “La ciudad efímera”, porque no se entiende qué pueda haber de portátil en la mitad de esta obra, en los árboles, en el espacio, o en el agua de lluvia que ha salpicado la tierra en cada pieza. Por tres veces me han venido ala memoria, al pasear entre las instalaciones de Eduardo Gruber, en la distancia formal y en la cercanía conceptual, algunos trabajos de Navarro Baldeweg: la habitación vacante, las líneas de luz que conforman el espacio, el peso y la verticalidad que, ahora, ponen en conexión los pilares de madera exentos y el equilibrio de los grandes árboles. Es así porque hay nexos comunes, preocupaciones concurrentes que nos hablan de una forma profundamente sensorial de habitar el espacio. En la actual propuesta de Eduardo Gruber hay algo de laboratorio poético en el que se mezclan los elementos estéticos con los aconteceres marcados por las fuerzas de la Naturaleza: diálogos abiertos, silenciosos, entre la propuesta de un delineado poético y cognitivo, y la receptividad activa de lo natural.
Fuente:
ABC 813 - ABCD Las Artes y las Letras
Por Gabriel Rodríguez
Tags: arquitectura, Eduardo Gruber, escultura, exposición, La Ciudad Portátil
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En busca de la utopía perdida en el MOMA
La intensa actitud visionaria de la arquitectura producida en Rusia durante los años inmediatamente posteriores a la Revolución de Octubre de 1917, producto del compromiso de los arquitectos con el ideario de la revolución cultural prometida por el nuevo régimen soviético y el contagio del espíritu de las vanguardias europeas, hizo emerger una sintaxis radicalmente nueva, cuya evolución fue abruptamente coartada por la represión estalinista.El foco creativo que se concentró en Rusia entre 1922 y 1932 -protagonizado por El Lissitzky, Vladimir Tatlin, Konstantin Melnikov, Aleksander Vesnin, Moisei Ginzburg o Nikolai Ladovsky- atrajo a arquitectos como Le Corbusier o Erich Mendelsohn, siendo este último el primer europeo que analizó críticamente y documentó con fotografías los primeros edificios construidos. Ambos constataron las dificultades a las que se enfrentaba la materialización de los proyectos concebidos con el nuevo lenguaje contemporáneo en aquel país empobrecido, técnológicamente infradesarrollado, sin materiales disponibles ni obra de mano capacitada, y sometido a las dinámicas impuestas por las políticas gubernamentales, que priorizaban la edificación de factorías, sedes de organismos oficiales, asociaciones de trabajadores o viviendas comunitarias.
Todo un desafío. Sin embargo, esa situación adversa constituyó para los arquitectos soviéticos un desafío que potenció al máximo la energía de su imaginación para concebir estructuras en las que se encapsulasen los ideales del orden social del nuevo régimen. El papel se convirtió en territorio donde concretar virtualmente una arquitectura más allá de los límites que la realidad permitía. Arquitectura concebida para reflejar el espíritu de su tiempo, laboratorio de ideas experimentales, que pronto comenzó a verse denostada por la doctrina del realismo socialista, siendo paulatinamente rechazada hasta verse abocada a una negación maldita: víctima de una damnatio memoriae que culminó en una invisibilización absoluta que se ha prolongado hasta el presente.
Pese a su condena forzada a la condición de efímera, la audaz, profunda y compleja arquitectura producida por la vanguardia rusa ha devenido una de las referencias fundamentales para la experimentación del lenguaje arquitectónico contemporáneo a partir de su redescubrimiento en el ámbito académico arquitectónico de Europa y Estados Unidos desde la década de los sesenta, intensificado durante los setenta, para reemerger en la energía que guió las visiones deconstructivistas a principios de los ochenta, y que, vistas retrospectivamente, pueden parecer un simple capricho formal que intentó revivir la imagen y no el idealismo poético del que surgía. Leer el resto de esta página »
El espíritu de Rodchenko. El MOMA presenta ahora una exposición del fotógrafo arquitectónico Michael Pare en la que se presentan imágenes del estado actual de los edificios diseñados para las principales capitales soviéticas, y que constituye una inédita aproximación a este periodo de la Historia de la arquitectura del siglo XX, cuyos inicios fueron documentados por diferentes fotógrafos, aunque fueron las imágenes creadas por la mirada de A. Rodchenko las que transmitieron con total precisión la radicalidad de aquel espíritu arquitectónico.
Tags: A. Rodchenko, Aleksander Vesnin, arquitectura, El Lissitzky, exposición, fotografía, Konstantin Melnikov, Michael Pare, Moisei Ginzburg. Nikolai Ladovsky, MOMA, Vladimir Tatlin
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Zaha Hadid en el Desing Museum de Londres
Desing Museum of London (29 June – 25 November).
Zaha Hadid ganó el Premio Pritzker en 2004, cuando solo había completado su primer proyecto “sustancial”, el Rosenthal Center for Contemporary Art en Cincinnati. Ahora ella es uno de los arquitectos más ocupados del mundo, con múltiples proyectos por todo el planeta como: los masterplan de Singapur y Estambul, el edificio de la Opera de China, un museo en Roma y un rascacielos en Dubai. En el último año esta arquitecta ha inaugurado: dos edificios en Alemania, la fábrica de BMW y el Centro para la Ciencia Phaeno, los cuales le han hecho acreedora del premio 2006 RIBA Stirling Prize. Ambos edificios han demostrado su habilidad para trasladar la esencia de su espacio imaginario a una forma sólida.
La exposición del Desing Museum de Londres, ha querido por primera vez mostrar el trabajo que Zaha Hadid ha desarrollado en el Reino Unido. Este es uno de los proyectos más grandes que ha llevado a cabo el museo, junto a su curador Deyan Sudjic. Se han creado dos plantas completas donde se pueden ver: dibujos, maquetas, modelos, videos y muchos más sobre el trabajo de esta importante arquitecta, enfocándose especialmente en el período productivo que vive actualmente.
Para todos aquellos que como yo dudan poder asistir a tan magnífica exposición , les recomiendo visitar la página del Desing Museum London: http://www.designmuseum.org/exhibitions/2007/zahahadid una página realmente completa, donde inclusive se pueden ver videos de la exposición y de las entrevistas a la arquitecta y al comisario del museo. Foto: Desing Museum London.
Tags: arquitectura, entrevista, exposición, Zaha Hadid
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