El verbo de Fernando Higueras
Fernando Higueras llega tarde al estudio donde se va a grabar el programa, acompañado por un joven familiar. Personaje histriónico. Barba y pelo blancos. Cara de viejo marino malhumorado. Llega rezongón, rumiando la palabra «camellos». Al instante, su ánimo recupera el entusiasmo para advertir a los entrevistadores: «Mi conversación va saltando de una rama a otra. ¡Vaya pájaro estoy hecho!». Los cuatro se sientan alrededor de la mesa. El joven, a su lado, para darle con el pie cuando se pierda en su monólogo desestructurado, o cuando sus críticas se dirijan a algún intocable, al igual que el joven que camina al lado del viejo ciego por los polvorientos caminos de tierra, cuidando que no se pierda por los bosques colindantes…
Reafirmando su comentario, corta sus frases bruscamente para hablar de otro tema aparentemente inconexo, lo que despista a los escuchantes que no le conocen. Justifica estas digresiones con un supuesto principio de Alzheimer, al que llama «Alféizar».
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Tags: arquitectura, Fernando Higueras, opinion
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La aureola del objeto
Una Caja de Resonancia
Pre-textos de Arquitectura
Valencia 2008
200 páginas, 17 euros.
“Una Caja de Resonancia”, publicado por la editorial pre-textos, es una compilación de escritos dispersos de Juan Navarro Baldeweg en los que el artista y arquitecto fija las claves de su actividad creativa.
Navarro Baldeweg vuelve a demostrar, en su segundo libro de recopilación de artículos y ensayos, que es una figura atípica en el actual panorama de la arquitectura española. No sólo por su demostrada versatilidad creativa, sino por la dimensión conceptual de su obra. Una caja de resonancia recoge los textos y entrevistas dispersos que nos permiten una visión más estructurada de aquellos temas que imprimen la personal poética del arquitecto y el artista, bajo un título muy expresivo y sintético de una práctica que se nutre de esa idea de continuidad y tránsito, donde la arquitectura no es más que un corte virtual del flujo de energías. Y aporta las claves para comprender las complejas transferencias entre las distintas prácticas creadoras del autor.
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Tags: arquitectura, libros y ensayos, Navarro Baldeweg, Una Caja de Resonancia
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Teatro Romano de Sagunto: Restauración y simulacro
Al parecer, en el plazo de algo más de un año, la intervención realizada por Giorgio Grassi y Manuel Portaceli sobre los restos del Teatro Romano de Sagunto serán demolidos según dictaminó la sentencia última del Tribunal Supremo. La larga historia procesal iniciada por un abogado y político valenciano está fielmente recogida por las hemerotecas, y no es el motivo de la reflexión, aunque queda como arriesgado precedente de la compleja relación de la interpretación de las normativas legales y el mundo más problemático de las teorías restauradoras. Tampoco se trata de reivindicar algo obvio para los especialistas, el hecho de que el concepto de «reconstrucción», proscrito desde el punto de vista teórico, siempre se ha referido (al menos desde el Tercer Congreso de Ingenieros y Arquitectos, celebrado en Roma a finales de 1833, donde a instancia de Camillo Boito se tomó el acuerdo de las partes añadidas para completar la restauración de un monumento, que no debían imitar la arquitectura original), a la denominada «reconstrucción en estilo», aquella que desde la «falsificación óptica» podía dificultar el conocimiento científico del monumento, es decir, en dimensión histórica o, lo que es lo mismo, «documental».
Riesgo pedagógico. Y no es momento de entrar a valorar con criterios arquitectónicos la calidad en abstracto de una propuesta que asume desde un origen el riesgo de la pedagogía; de la recuperación de un tipo arquitectónico -el del teatro romano- lo que condujo necesariamente a una solución de condición esquemática, en consonancia con el carácter generalista del concepto.
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Tags: arquitectura, Giorgio Grassi y Manuel Portaceli, historia, restauración, Teatro Romano de Sagunto, Tercer Congreso de Ingenieros y Arquitectos
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El peso de la levedad
Proyectos o ideas de proyectos que se atrapan en una sola noche, de noche, es habitual encontrarlos en las historias de la arquitectura, pero también en otras muchas disciplinas artísticas. Suele tratarse de propuestas que adoptan figuraciones que proceden de fragmentos de ideas, emociones, formas y materiales que parecen volar como en suspensión, conformando a veces peculiares nubes o nieblas en las que cada gota de agua constituye una aportación, una cita, una solución, la memoria de algo visto, entrevisto, estudiado, intuido o ya comprobado. Pesan y son leves; conducen energía; recorren itinerarios laberínticos que siempre tienen una clave oculta, como escondida y simbólica. Suelen, cuando se les ve aparecer en el horizonte o en el paisaje, incluido el imaginado, el soñado, el irreal, revelarse sólo por un instante y, por eso, es importante estar atento al momento irrepetible, el que puede coincidir con la intensidad de una noche de vigilia.
Atraparlo es posible. Si se está atento, es posible atrapar el proyecto, incluso representarlo. Pero sólo si se está atento, por mucho que se trate de asuntos y temas que hayan obsesionado durante tiempos largos a sus autores, siempre mirando el paso de las nubes que se van o de las nieblas que se levantan a lo largo del pasar el día, cuando la luz la va desvaneciendo.
Esas peculiares condiciones de la creación de proyectos, objetos, versos o artefactos acaban iluminando el resultado final con luces enrarecidas, que para unos serán propias del amanecer, del mediodía o del atardecer, cuando no de la noche en la que se inició lo irrepetible. Por eso, por ejemplo, hay arquitecturas propias de las horas o húmedas y secas, que diría alguno de los protagonistas de esa noche mágica y mítica en la que nació un proyecto destinado a no ser construido, como quien proyecta un sueño y lo dibuja o lo representa materialmente, dándole forma y figura, que es lo que ocurrió con el de una capilla en el Camino de Santiago, realizado por los arquitectos Francisco Javier Sáenz de Oiza, José Luis Romaní y el escultor Jorge de Oteiza en 1954.
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Tags: arquitectura, conceptos
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Caixa Forum Madrid: La percepción sensual
El edificio de CaixaForum en el paseo del Prado de Madrid, obra de los suizos Herzog y De Meuron, flota sobre el nivel de la calle. “Cada uno de nuestros proyectos es una provocación”. La plaza cubierta es un espacio que se comprime y se descomprime, rodeado por la línea que delimita la fachada volante.
La imagen de una antigua central eléctrica levitando sobre el vacío no es más que el punto de partida del edificio que Herzog y De Meuron presentan la semana que viene en Madrid. Una vez más han creado una nueva arquitectura que apela a la imaginación de las personas, un “LSD arquitectónico”, como ellos mismos han definido sus obras. La futura sede de CaixaForum en Madrid viene a situarse entre las grandes instituciones culturales de la capital, en frente del Museo del Prado y del Jardín Botánico, a caballo entre el Museo Thyssen y el Reina Sofía, para redondear una de las propuestas más completas y variadas del panorama artístico internacional.
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Tags: arquitectura, edificio de CaixaForum, Herzog y De Meuron, Madrid
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Shulman, tiempos modernos.
La editorial Taschen publica un triple volumen con las imágenes más significativas de Julius Shulman, testigo inestimable del desarrollo de la arquitectura moderna de la segunda mitad del siglo XX.
De los 250.000 negativos archivados de las fotografías realizadas por Julius Shulman a lo largo de una actividad profesional iniciada en 1936, acaba de publicarse en una cuidada colección en tres grandes volúmenes bajo el título Julios Shulman: Modernism Rediscovered (Taschen) que permite examinar a fondo la mirada de este artista como creador de imágenes fundamentales para reconstruir no sólo la Historia de la arquitectura moderna, sino también el espíritu y la visión sobre su tiempo que en ésta se encarnaba.
Nacido en 1910 y aún activo en la actualidad, la biografía profesional de Shulman es planteada como la consecuencia de un suceso totalmente incidental que supondría el providencial encuentro entre uno de los arquitectos fundamentales del Movimiento Moderno y un entonces joven fotógrafo que casualmente había ido a visitar una de sus obras acompañado (como acostumbraba) de su Kodak Vest Pocket. Siguiendo la inercia de la costumbre, Shulman tomó varias imágenes de la residencia Kun, de Richard Neutra, que posteriormente el miembro del estudio de éste, que visitó la obra con Shulman, mostró al arquitecto.
El espíritu de unas formas. Neutra reaccionó elogiando con entusiasmo el modo en que aquellas imágenes captaban el espíritu de su arquitectura, dando inicio a una colaboración entre ambos que se prolongaría hasta el fallecimiento del primero en 1970 y que supuso para Shulman el establecer contacto con otras figuras claves del Movimiento Moderno y convertirse en un fotógrafo fundamental de la arquitectura realizada entre las décadas de los años cuarenta y sesenta.
A través de ese relato que hace responsable al azar del modo en que aquel joven metódico y de naturaleza curiosa e inventiva –que había recibido una formación universitaria en arte, pero que no había aún hallado el medio a través del cual desarrollar su potencial creativo- se enfatiza la idea de que se tarta de una trayectoria surgida de un especial carácter instintivo. Neutra y todos los arquitectos cuya obra fue fotografiada por Shulman (de Wright a Niemeyer, pasando por Van der Rohe, Kahn, Jonson, Eames y Aalto) reconocían en éste una particular habilidad –que debe definirse como una capacidad intelectual y sensorial- para reconocer la esencia de un espacio y traducirla con precisión a un soporte visual.
Como género específico. Shulman es uno de los contribuidores a la construcción de la fotografía de arquitectura como un género específico a lo largo del siglo XX, no en el mero sentido de documentar visualmente los edificios desde una precisión que permitiera una concepción lo más objetiva posible de éstos como entidades construidas, sino desde una aproximación que comunicaba fluidamente los principios ideológicos sobre los modos de vida y la nueva sociedad para los que aquella arquitectura era concebida.
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Tags: arquitectura, editorial Taschen, Julius Shulman, libros
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Una base de submarinos para las ‘formas emergentes’
El LIFE de Saint-Nazaire insufla vida cultural a un lugar que simbolizó la destrucción de la ciudad.
El life, como su nombre indica, es un lugar de vida, de creación, en un sitio dedicado a la muerte, a la destrucción”, resume Christophe Wavelet, antiguo bailarín y coreógrafo, hoy al frente del Lugar Internacional de las Formas Emergentes (LIFE), en la costa atlántica francesa. Lo de “forma emergente”, es decir, que antes estaba “sumergida”, merece una explicación. “Es una manera de subrayar qué tipo de actividades se desarrollarán en el LIFE. El proyecto es acoger a los creadores que dan rostro a la época”. Nada más y nada menos.
Wavelet desea ofrecer un lugar a todos aquellos que no quieren plegarse a la homogeneización que imponen los medios de comunicación y las instancias dominantes. “Será un lugar de actividad, no de disciplina. No es un espacio para pintores, músicos, performers, videoartistas o actores sino para todos ellos y, mejor aún, para todos aquellos que se sienten incómodos bajo una etiqueta”.
Esa reivindicación de la vida y la flexibilidad tendrá lugar en la antigua base de submarinos de Saint-Nazaire creada por los alemanes durante la Ocupación, en 1941, que causó la destrucción del 85% de la ciudad en 1943-1944, y que sobrevivió a bombardeos e incendios provocados por los aliados en su deseo de acabar con los submarinos que atacaban su flota. La antigua base de submarinos es una sucesión de alvéolos de 85 metros de profundidad, 20 de anchura y 11 de altura. Para construirlos y hacerlos indestructibles los alemanes utilizaron 480.000 metros cúbicos de cemento, con un techo que llega a tener ocho metros de espesor y que resistió todas las bombas. Hoy, uno de esos alvéolos es el LIFE, adaptado por el arquitecto berlinés Finn Geipel.
Saint-Nazaire es una ciudad que nació con la industrialización moderna. Los barcos de madera fueron sustituidos por los metálicos. Su enorme calado no les permitía remontar el Loira hasta el puerto de Nantes y, de pronto, se decidió que esa población de unas pocas centenas de pescadores sería un buen lugar para instalar ahí el mayor puerto francés del Atlántico. En 1858 Napoleón III creaba líneas transatlánticas regulares entre Francia y toda América Latina, con salida exclusiva desde Saint-Nazaire. El pueblecito se convierte entonces en un gran puerto comercial y de pasajeros, en una terminal ferroviaria importante, en una localidad con buenos hoteles y restaurantes y, sobre todo, en los mejores astilleros de Europa, especializados en la construcción de paquebotes de lujo. De ochocientos habitantes había pasado a varias decenas de miles en menos de cuarenta años.
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Tags: arquitectura, El LIFE de Saint-Nazaire, rehabilitación
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Sentido de Ef(ica)cia
Iñaqui Carnicero, Ignacio Vila y Alejandro Vírseda se conocieron hace quince años en la escuela de Arquitectura de Madrid. Sus caminos de aprendizaje fueron serpenteando de manera independiente entre las distintas opciones docentes que se ofertaban durante los años noventa en la que entonces era la mejor Escuela de España. Como en un eslalon, fueron cruzando sus experiencias. Distintos posicionamientos ante la arquitectura, los de sus maestros cercanos, pero defendidos con rigor y coherencia, les permitían ofrecer distintas respuestas a los mismos problemas. La disciplina se convertía en un problema diferente en cada ocasión, se abordaba desde ángulos procedentes de lugares encontrados según el tutor que la guiaba.
Los planteamientos de Andrés Perea nada tenían -ni tienen- que ver con los de Campo Baeza, de la misma manera que los de Mariano Bayón no se corresponden, en absoluto, con los de Ábalos y Herreros. Durante aquella época había dos tipos de alumnos: los adscritos por convicción a alguna de las tendencias y los que buscaban la virtud recorriéndolas todas. No sési este segundo es el caso de ICA arquitectura. Lo que sí parece es que la suma de sus tres miembros ha destilado maneras muy distintas de abordar la arquitectura unificándolas en una sola oficina. Esto les permite enfrentarse a los problemas con mayor libertad, sin la búsqueda permanente de la única arquitectura posible, la suya. La suya no existe, existe la oportunidad de descubrir lo adecuado para cada circunstancia, o quizás lo oportuno. Las oportunidades han aparecido en su corta carrera.
Muestra de habilidad. Lo que pareció una casualidad, hace ocho años, recién titulados con sobresaliente, cuando ganaron su primer gran proyecto para la construcción de la Escuela de Arquitectura del CEU de Madrid, se ha convertido, con el tiempo, en una demostración de habilidad y oficio. Han sido capaces de manejar con inteligencia las variables de la arquitectura más oportunas en cada caso. Su lista de concursos premiados desde aquella irrupción ha sido notable. Gran parte de las administraciones no demandan arquitectos-estrella, ni un riesgo desbocado, ni legados culturales colmados de referencias. Habitualmente precisan una alta cualificación y solvencia técnica que resuelva de la manera más hábil sus demandas funcionales. ICA es capaz de encontrar la arquitectura en esta frontera facetada a medio camino entre los requerimientos de un jurado y sus propios deseos.
A lo largo de varias conversaciones con los tres y, en un principio, también con Miguel Cámara, se ha ido formulando una teoría intuitiva que ellos resumen de manera informal: «Creemos que el tener una actitud más ecléctica, como la que han seguido algunos de los maestros, como puede ser Moneo, permite multiplicar el número de respuestas que se pueden dar en cada caso. Sin embargo, sí que existe en casi todos nuestros trabajos una actitud común a la hora de abordar el proyecto, y es la de responder a las solicitaciones del lugar desde las cuestiones básicas de la arquitectura, como son la construcción, el espacio, la escala o el carácter. En algunos casos, el proyecto se aborda desde una idea constructiva o la elección de un material, como en Vallecas, donde intentamos camuflar el chaflán al que nos obliga la normativa a través de la repetición de muchos chaflanes que a su vez nos dictó la necesidad de buscar un material único que envolviera todo el edificio tanto en fachada como en la cubierta. Por esa razón recurrimos a un material cerámico. En otros casos la respuesta se ha producido desde la escala».
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Tags: Alejandro Vírseda, arquitectura, Iñaqui Carnicero, Ignacio Vila
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Arquitectos en la oficina de turismo
Álvaro Siza y el estudio Make, dos modelos de intervención en Madrid y Londres.
Tienen género las ciudades? Si fuera así, y atendiendo a dos singulares oficinas turísticas recientemente proyectadas en Madrid y Londres, la primera ha elegido la sutilidad de los detalles, y la segunda, el impacto inmediato. ¿Por qué? Al entrar en el nuevo centro turístico diseñado por el arquitecto portugués Álvaro Siza en el antiguo paso subterráneo de la plaza de Colón, se tiene la sensación de que Madrid esconde emociones nuevas que no revela si no percibe en el visitante una sensibilidad e interés genuinos por los detalles.
Las pistas madrileñas se buscan ahora en el viejo subterráneo de Colón. Las londinenses, enfrente de la catedral de San Pablo. Siza, en colaboración con los españoles Juan Miguel Hernández de León y Carlos Riaño, ha transformado el oscuro pasadizo que atravesaba la Castellana, donde antes dormían indigentes refugiados en pequeños habitáculos de cartón para protegerse del frío, en un espacio cálido y luminoso gracias al uso extensivo de la madera, el ladrillo y, sobre todo, un delicado implúvium por el que se filtra la luz natural, y que ilumina una lámina de agua y un patio. La madera, además, contrarresta la aparente frialdad de un espacio tan alargado, de unos mil metros cuadrados de superficie, donde el visitante encontrará zonas de exposición y de proyección de imágenes de Madrid, una librería y puestos de Internet con potentes ordenadores iMac, entre otras cosas.
Se trata del primer trabajo en la capital española del gran arquitecto portugués, premio Pritzker de arquitectura. Un preámbulo de lo que será su ambiciosa y polémica reforma urbana en el eje Prado-Recoletos. Frente a esta propuesta delicada propia del trabajo de Siza, la oficina turística que propone en Londres, frente a la catedral de San Pablo, el estudio de arquitectura Make es una puerta abierta a emociones fuertes, golpes de efecto y cierto exhibicionismo. ¿Acaso no es eso lo que uno nunca se cansa de descubrir en esta ciudad? El de Make es un volumen de sólo 140 metros cuadrados que contrasta al primer vistazo con la pesadez de la piedra de la catedral.
Alas con picos
El encargo del Ayuntamiento de la ciudad pretendía sustituir un quiosco circular de la década de los cincuenta. Esta nueva propuesta presenta dos alas con picos que se alzan unos cinco metros de altura. Su estructura de acero ligero está recubierta con contrachapado de madera revestido a su vez con una delgada capa de acero inoxidable que, a priori, la hace parecer algo agresiva, pero con la que los arquitectos tratan de aportar ligereza y personalidad. Los grandes ventanales de suelo a techo invitan a explorar el interior, a entrar sin rubor, y dejan pasar abundante luz natural. En el interior, varias pantallas de plasma transportan al visitante por un paseo virtual por la ciudad.
Dos formas de entender la arquitectura, de ver la ciudad y de mostrársela al viajero que llega.
- Centro turístico Colón. Antiguo pasaje subterráneo entre las calles de Génova y Goya. Plaza de Colón. Madrid. Abierto de 9.30 a 20.30 todos los días. Línea 4 de metro.
- London Tourism Centre. St. Paul’s Churchyard, EC4. Londres. Teléfono 44 (0)20 7323 14 56. Metro St. Paul’s.
Fuente:
El País. 05/01/2008
Por: Rafael Fernández Bermejo
Tags: Alvaro Siza, arquitectura, estudio Make, Londres, Madrid
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Jorge Pardo: «que algo parezca una casa no significa que lo sea»
El apartamento elegido está situado en los aledaños de la Plaza de España, en la novena planta (escalera C), del número 67 de la céntrica Gran Vía madrileña. Lo cierto es que podría pasar inadvertido, teniendo en cuenta que es una isla en un bloque edificado en altura donde confluyen las oficinas de varias agencias de viaje, un gran centro médico, las sedes de algunas asociaciones culturales, cierta franquicia de productos de higiene y hasta un hostal. Superado el portal, un pasillo pintado en verdes y naranjas nos avanza los colores que nos sorprenderán en sus reducidas estancias. En el interior del ascensor que nos conduce hasta la puerta del piso, una cita de Jorge Pardo (La Habana, 1963), su responsable: «Vivimos en un mundo en el que cada vez tiene menos sentido entrar en las salas blancas para contemplar arte. En realidad, este espacio social no se esfuerza mucho en hablar sobre lo complejo». Algún vecino se ha encargado de completarla…
«Escultura habitable». Como en intervenciones anteriores -recordamos aquella en la que acondicionó el acceso de entrada y la librería de la DIA Foundation en Nueva York (2003) o su falso muelle de atraque para Münster (1997), con el que este apartamento, de alguna forma, se relaciona-, el artista nortemaericano de origen cubano, invitado de la 26ª bienal de Sao Paulo (2004) y cuyos últimos veinte años de trayectoria repasa en la actualidad el MOCA de Miami, es el encargado de transformar un espacio anodino de menos de 25 metros cuadros en una de sus «esculturas habitables», si es que se nos permite esta definición, con un resultado final a caballo entre el arte, la arquitectura y el diseño: «Yo no me veo como un artista que traspasa fronteras -admite Pardo-. Soy un escultor que instrumentaliza diferentes prácticas y tradiciones artísticas cuando desarrolla su labor. No tengo ningún interés en convertirme en un arquitecto o un diseñador. Lo que realmente me interesa es trabajar desde una tradición que se cuestiona su propia percepción. Sólo por el hecho de que algo parezca una casa, no significa que a lo que se enfrenta el espectador lo sea», agrega el artista.
Experimentar el espacio. Gran Vía, 67, el proyecto de Jorge Pardo para la galería Elba Benítez -fuera de sus instalaciones en su habitual emplazamiento en el barrio de Chueca-, fruto de su colaboración con el coleccionista y mecenas mexicano José Noé Suro, no es efectivamente un apartamento diseñado y decorado por un artista, sino una instalación para experimentar el espacio en lo que parece una casa habitable: «En algunos aspectos, no hay en absoluto ninguna diferencia entre una casa construida por mí o la que pueda construir un arquitecto -señala-. Lo que diferencia a ambas es lo que la casa en sí significa para cada uno de nosotros. Los arquitectos no hacen arte. La casa que planteé para el matrimonio Reyes en Puerto Rico, por ejemplo, parte de un discurso radicalmente opuesto al que puedan desarrollar muchas viviendas construidas por cualquier arquitecto. En general, el arquitecto está siempre al servicio del cliente. En mi caso, yo soy mi mismo cliente».
En la pieza para Madrid, el espectador experimentará la sensación de moverse por el interior de una construcción escultórica, grande porque le supera en tamaño, pequeña porque parece una vivienda de una única estancia. Pardo ha colocado una estructura de madera y contrachapado a lo largo de las paredes del habitáculo. Sus sinuosas formas son como un cascarón macizo y laminado en el que sobresalen las formas de lo que parece una cama, una mesa de estudio y hasta una encimera de color naranja con un fregadero.
Puertas y ventanas. Su «hermetismo» lo rompen la puerta de acceso a la calle -que cobra un grosor considerable; no hay más que ver la llave que la abre-, la del baño -decorado con pequeñas teselas cerámicas ovaladas en tonos verdes y azules de diferente tamaño que invadirán paredes y suelos cuando esté terminado-, y la de la terraza -donde unas impresionantes vistas de la ciudad nos devuelven al trampantojo de estar «pisando» algo que parece una vivienda-, en consonancia con una ventana justo enfrente de la misma y un armario extraíble para la ropa del hipotético morador.
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Tags: arquitectura, arte, opinion
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