Retrospectiva del trabajo de Olafur Eliasson en el MOMA
Take your time: Olafur Eliasson
Desde el 20 de April al 30 de Junio del 2008.
MoMA (2do y 3er piso)
El pasado 20 de Abril, se ha inaugurado la exposición “Take your Time: Olafur Eliasson”, en el MOMA de New York. Esta es la primera retrospectiva que se realiza en los Estados Unidos de la obra de Olafur Eliasson. Los ambientes profundos, las esculturas y las fotografías elegantemente recrean los extremos paisajes y atmósferas de la Escandinavia nativa de Eliasson. El gran concepto de la exposición es repetir la experiencia sensorial de los espacios creados por Eliasson, para así ser apreciado por los asistentes. La muestra reúne el trabajo del creador durante los últimos 25 años.
Las construcciones de Eliasson, son a la vez excéntricas y geométricas, utilizan múltiples colores y se focalizan en la proyección de la luz, en espejos y en elementos reflectantes como el agua, la piedra y cualquier otro elemento que eleve la percepción del espacio. Transformando la galería en un espacio híbrido entre naturaleza y cultura, Eliasson propone un compromiso intenso con el hombre y a la vez ofrece una consideración fresca del día a día.
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Innovaciones elásticas
Exhibición “Design and the Elastic Mind” hasta el 12 de mayo de 2008 en el MoMA de Nueva York.
Mediante de la exposición de más de doscientos objetos, instalaciones y conceptos a través de los que explorar cómo se concreta en el presente la reciprocidad entre ciencia y diseño, Design and the Elastic Mind es la formulación de una definición del concepto de diseño y la afirmación del papel del diseñador como una especie de aedo en nuestra cultura. Visionarios; catalizadores del progreso; mediadores entre la realidad de un tiempo y la esencia del futuro; especie de intérprete poético y pragmático en este tiempo hiperdinámico de revolución, Paola Antonelli, comisaria de la muestra y actual responsable del Departamento de Arquitectura y Diseño del MoMA, define a los diseñadores como «aquéllos situados entre las revoluciones y la vida cotidiana, dando vida y voz a los objetos y manifestando nuestras aspiraciones y visiones para el futuro -incluso aquéllas que todavía no sabemos que poseemos», y añade: «La exposición muestra ejemplos actuales de traducciones al diseño de innovaciones científicas y tecnológicas subversivas y reflexiona sobre cómo la figura del diseñador ha evolucionado de creador de forma a intérprete fundamental de esta extraordinariamente dinámica realidad».
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Pabellón del Arsenal: Exo-Arquitecturas.
Exo-Arquitectures: Paris around the world in 80 projects.
Pavillon de l’Arsenal, Paris.
7 Dicembre 2007 – 4 Mayo 2008
El Centro d’Urbanisme et d’Architecture de la Ville de Paris (www.pavillon-arsenal.com) es el primer servicio de atención para los aficionados a la arquitectura de la ciudad de Paris. Junto con las exposiciones itinerantes y una presentación permanente, la videoteca informa sobre las creaciones arquitectónicas de la ciudad. Se compone de paredes divisorias con iluminacion oscilante qeu crean cabinas.
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Otra razón para visitar Berlín
Mueums in the 21st Century
Museo Pergamo, Berlin.
12 Marzo – 25 Mayo 2008.
El prestigioso y antiguo Museo de Pergamo de Berlin, ha decidido renovar su edificio; en realidad la ciudad de Berlín ha decidido restaurar todos los edificios de la Islas de los Museos y construir un nuevo complejo museístico a la altura de esta ciudad tan moderna y cosmopolita. Con motivo de esta renovación, el Museo de Pergamo alberga una exposición llamada: “Museums in the 21st Century: conceptos, proyectos y edificios.
En esta exposición se presentan cerca de 30 proyectos construidos o no; donde maquetas, planos y fotografías exponen el concepto del museo del siglo XXI. En un recorrido corto pero intenso; comparten protagonismo proyectos como la Galería Corcovan, de Frank Gehry; el Centro Paul Klee, de Renzo Piano; o la Galería Nacional de Tokio, de Kisho Kurokawa.
El proyecto estrella, que ocupa una sala completa, es la remodelación de la Museumsinsel de Berlín. En este proyecto comparten protagonismo: HG Merz, Atelier Heinz Tesar, David Chipperfield, Buro Prof. O. M. Ungers y Hilmer & Sattler and Alberche.
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Exposición de Vitra: “Living under the Crescent Moon”
Living Under the Crescent Moon: Domestic Cultures in the Arab Word.
Vitra Desing Museum. Weil am Rheim. Alemánia.
23 de Febrero al 31 de Agosto, 2008.
La exhibición “Living under the Crescent Moon” –Viviendo en luna creciente: modos de vida en el Mundo Árabe- muestra la diversidad de estilos de vida que existen en: Marruecos, Siria y la Península Arábica. Esta exposición fotográfica tiene a bien capturar los modos de vida y sus viviendas desde las tiendas de los nómadas Tuareg o Beduinos hasta los conocidos Casbahs marroquíes; pasando por las grandes casas-patio de ciudades como Marrakech, Damasco o Cairo y los edificios del siglo XX de arquitectos como Hassan Fathy, Elie Mouyal o Abdelwahed El-Wakil en regiones de gran expansión económica como Dubai. La exposición está acompañada por un calendario de eventos que se puede consultar en la página de Vitra.
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Sao Paulo, una metrópolis
El tejido urbano de Sao Paulo (como el de toda metrópolis o región metropolitana) es un entramado que crece al margen de cualquier posibilidad de control reglado, que aglutina y reacciona a las condiciones y necesidades de ocupación de individuos pertenecientes a clases socio-económicas ya no sólo distintas, sino abismalmente opuestas entre sí. La exposición Sao Paulo 300 mm es una aproximación a ese complejo y mutante sistema urbano: a través de la presentación de hechos y situaciones paradigmáticamente definitorios de la realidad presente de la ciudad, Ariadna Cantis y Alexandre Cafcalas, sus comisarios, tratan de dejar patente los modos en que se concreta una dinámica arquitectónica y urbana promovida por «tres actores inconstantes: la sociedad, el poder público y los arquitectos».
Fenómenos en sí mismos. Cantis y Cafcalas han identificado una serie de «eventos recientes que han representado hechos importantes para la reconstrucción del tejido urbano y su discusión, y que al mismo tiempo no dejan de ser fenómenos sociales más o menos novedosos en sí mismos». Por un lado, se presenta el trabajo que desempeña un colectivo de jóvenes profesionales de la arquitectura, Vilanova Artigas y Paulo Mendes da Rocha, cuyo nexo ideológico es el de intentar mantener una continuidad con respecto a los principios disciplinares de los principales teóricos de la tradición arquitectónica y de planificación de la ciudad. Por otro lado, se revelan acciones arquitectónicas y urbanas que se desarrollan al margen de la oficialidad y en las que los comisarios integran la reconversión de edificios en centros de uso colectivo, el uso de las infraestructuras de la ciudad como soportes de expresión creativa y la ocupación ilegal de viviendas.
Acercarse al tema de las grandes urbes que crecen desenfrenada y desarticuladamente es un fenómeno que fascina a los arquitectos. Durante siglos, ha sido posible abordar intelectualmente el hecho urbano, pero estas megaurbes del presente se escapan a toda posible domesticación y comprensión integral mediante una concepción racional. Por eso, aquéllos que reflexionan sobre la ciudad no hallan el punto donde fundamentar su trabajo. Seguramente, porque ese posible eje ya no existe.
Lecturas personales. No escapa a los responsables de Sao Paulo 300 mm que las megalópolis están compuestas por diferentes estratos, que individualmente ofrecen una propia lectura e interpretación; del mismo modo que intuyen que son precisos nuevos modos de construir que permitan la reaproximación crítica o analítica. Utilizando registros fotográficos y de vídeo digital realizados por fotógrafos y artistas de la ciudad como herramientas que tratan de trasladar al recinto expositivo la complejidad de Sao Paulo, la muestra se distribuye en nueve secciones: «Paisaje operativo», un tránsito visual de introducción-situación que se realiza a través de imágenes panorámicas de la zona central de la ciudad realizadas por Nelson Kon; «Sao Paulo, lado B», una serie de fotografías de Tuca Vieira y Bob Wolfenson en las que se plasman detalles que encapsulan las dinámicas cotidianas y el latido de la vida urbana; «Enseñar periferias», con propuestas de estructuras prefabricadas diseñadas como parte de un importante programa oficial que tiene como objetivo construir cien escuelas en la periferia urbana; «Interfaces de movilidad», que describe las iniciativas para mejorar las redes de circulación vehicular y la identidad visual de los transportes públicos; «Ciudad ficción», que plantea cómo la actual generación de arquitectos recién graduados únicamente parece encontrar sus salidas profesionales y creativas en la construcción de viviendas para las clases privilegiadas en condominios alienados; «Reactivación central», que se centra en los proyectos de reactivación del casco histórico paulista; «Ocupación vertical», que expone el caso paradigmático de la masiva ocupación ilegal de un edificio organizada por una asociación de personas sin techo; «Intersticios apropiados», que evidencia cómo la ciudad es soporte de actos creativos espontáneos, reflejo de la identidad ciudadana; y «Ciudad imprevista», una muestra de la yuxtaposición de diferencias socio-económicas sobre la textura del tejido urbano. La evidencia es que Sao Paulo es intrínsecamente tan complejo y que cada uno de estos nueve temas da pie para una reflexión individual lo suficientemente interesante y plena de sentido en sí misma.
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Tags: arquitectura, ciudad, exposición, Sao Paulo, Sao Paulo 300 mm
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Más allá de Niemeyer
Hugo Segawa analiza el papel y la relevancia de la arquitectura en Brasil y su insuficiente proyección en el extranjero pese a la calidad de sus profesionales.
El movimiento moderno en Suramérica logró que un estilo arquitectónico universal y global tuviera una versión local.
Oscar Niemeyer ocupó un momento histórico. Pero tapó mucho de lo que otros arquitectos hacían en Brasil.
El arquitecto Hugo Segawa (São Paulo, 1956) eligió la academia frente a la práctica porque trabajando en la revista Proyectos se dio cuenta de que la reflexión era fundamental para la arquitectura. La falta de publicaciones especializadas ha causado, para él, muchos de los falsos tópicos sobre la arquitectura latinoamericana y su desconocimiento para el resto del mundo. Sus progenitores japoneses resumen, en dos pinceladas, la historia del siglo XX. Su padre trabajaba en Wall Street, pero tuvo que salir de Estados Unidos cuando estalló la Segunda Guerra Mundial. Su madre era una niña cuando llegó a Brasil con sus propios padres, agricultores japoneses que emigraron, en los años veinte, para trabajar allí. “Hace poco regresé a Japón como profesor invitado. El sentimiento fue extraño. Allí parezco japonés pero soy brasileño. Como descendiente de japoneses he recibido una educación del Japón de principios del siglo XX, el Japón de mis padres. Y es evidente que el país hoy es otro, más cosmopolita”. Los padres de Segawa hablan japonés entre ellos. “Pero mi cultura es brasileira”, apunta.
Desde esa perspectiva y alejado de nacionalismos, Hugo Segawa mira el mundo. Cree, como Guimarães Rosa, que Brasil y el resto de Suramérica son como hermanos siameses: “Cosidos por la espalda pero incapaces de verse el rostro”: “Miramos para lados distintos. Pero tenemos problemas y contradicciones comunes. Buscamos referencias en Europa o América y no nos fijamos en lo propio. Tiene que pasar algo espacial, por ejemplo la experiencia urbana de Curitiba [una ciudad brasileña que se ha convertido en un modelo internacional para el crecimiento sostenible], para que seamos capaces de encontrar valores en lo nuestro. La idea de Curitiba se interpreta en Colombia, Chile y muchos otros sitios. Pero hasta que no se les presta atención desde Europa o Estados Unidos algunas cosas parecen no existir”.
Segawa atribuye esa falta de confianza al colonialismo. “Brasil se ha pasado años mirando a Portugal. Suramérica a España. Y todos mirábamos a París. Volvíamos a las matrices culturales en lugar de preocuparnos por desarrollar una cultura propia. Luego Estados Unidos decidió dejar de mirar a París y todos empezamos a mirarlos a ellos. La posguerra mundial desarrolló un panamericanismo comandado por Estados Unidos por el temor de que allí tenían a los dictadores que se estaban adueñando de los países: Perón o Getulio Vargas. Así, históricamente, los norteamericanos miraron a Latinoamérica para protegerse. Luego volvieron a mirar para desterrar el comunismo y calmar a su izquierda”.
Segawa no pone reparos a hablar sobre el presidente brasileño, Luiz Inácio Lula da Silva, que comenzó sus campañas prometiendo tres comidas al día para todos los brasileños y hoy se ha moderado. ¿Dónde ha quedado su revolución? “Hoy es mucho más conservador que Chávez o Evo Morales. Pudo ser una estrategia propagandística, pero yo creo que la realidad, en un país como Brasil, no permite cambios radicales. Hay situaciones muy arraigadas. Lula ha sido candidato tres veces. Y sólo ha ganado con el discurso más moderado. La izquierda se siente traicionada, pero él ha debido adaptarse al gusto de la mayoría de votantes. ¿Cómo puede haber una mayoría conservadora en Brasil? Las tremendas desigualdades sociales generan momentos de crisis aguda. Pero no hay que engañarse, son momentos puntuales. Hay muchos más momentos de conciliación”.
De izquierda a derecha: escuela FDE y casa en Iporanga, de Andrade Morettin arquitectos; una imagen de ocupación vertical y las estaciones de transferencia de transporte público en Sao Paulo. Fotos: Nelson Kon.
Hubo un movimiento moderno en Suramérica que logró que un estilo arquitectónico universal y global tuviera una versión local. En los años cincuenta, la arquitectura de Brasil consiguió gran prestigio internacional. “Duró hasta que se construyó Brasilia. Tropicalizaron a Le Corbusier. Y gracias a esa adaptación, los países suramericanos comprendieron que el movimiento moderno podía también hablar un idioma local”.
La tropicalización se traducía en elementos que hoy llamaríamos sostenibles. “Suramérica está atravesada por los trópicos. Le Corbusier no diseñaba para países en los que el control solar es fundamental. Construíamos para mantener el fresco y evitar el sol excesivo. Antes de que Le Corbusier diseñara Chandigarh, en Suramérica ya habíamos hecho arquitectura moderna en países pobres. La adaptamos a nuestras necesidades. Ésa es la clave. Los brise soleil no existían en la arquitectura moderna. Luego gustaron y hasta en Finlandia los copiaron en sus fachadas sin necesitarlos, como un formalismo”. También las formas curvas de Hadid, Koolhaas o Calatrava remiten al tropicalismo. “Y Foster. El Evening Standard insinuó en enero de 2007 que su proyecto para Wembley está inspirado en el que Niemeyer dibujó para Maracaná en 1941 con un arco para sostener una cubierta. No ganó pero fue publicado. La referencia era el Palacio de los Sóviets”.
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Tags: arquitectura, Brasil, exposición, Hugo Segawa, Sao Paulo 300mm
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Apostar por lo simple
Acabamos de asistir al acto fundacional de tres ciudades en un solo día, tres espacios urbanos sin consolidar, en su estado más primigenio. Tres salas oscuras que envuelven en la noche la arquitectura latente. Así se presentan cien pequeñas maquetas, de cien estudios de lo más variopinto, sobre un planeamiento reticulado de cartón con ligeros accidentes. Sobre estos prototipos se nos aparecen los hechos urbanos como obras de arte, tal y como los explicó Aldo Rossi. Cada hecho urbano, una maqueta; cada maqueta, una obra de arte; cada obra de arte, el sustrato de una arquitectura; y, finalmente, cada arquitectura, el germen de la ciudad futura. La ciudad de las ideas.
Lo que estuvo allí. Una muestra de lo substancial, de lo que queda de las ciudades cuando vuelves al principio, mucho antes del primer hecho construido, de aquél que parece que siempre estuvo allí. Antes incluso de la elección de cualquier lugar. Se trata de regresar al momento en el que todas las ideas podrán ser arquitectura. Al momento en que el hombre quiso ser arquitecto.
En esta exhibición de ilusiones, los estudios se desnudan en su propia casa, en la Fundación del Colegio de Arquitectos de Madrid. Un espacio a oscuras en el que el pudor desaparece. Cada oficina presenta una maqueta de trabajo. Este es un sistema que utiliza el arquitecto para hablar consigo mismo, otra manera de mirarse al espejo y mantener una conversación con su alter ego para tratar de llegar a alguna conclusión convincente. El cruce de conversaciones silenciosas se convierte en una jaula de grillos, en ruido urbano, en vida, en una suerte de Burning Man.
En medio de la nada. El Hombre Ardiendo es un festival de arte que se celebra, cada año, en el desierto de California. En una semana, una ciudad de trescientos mil habitantes aparece, se organiza y desaparece en medio de la nada. Sus habitantes, artistas desinhibidos, con sus propias reglas, sin complejos, deambulan produciendo un concierto barroco de infinitas posibilidades. Trapecistas haciendo un número de acrobacia colgados de dos grúas gigantes de construcción, disfrazadas de flor, cientos de personas vestidas de conejo se manifiestan exigiendo bunny power, mientras una enorme serpiente mecánica de metal se mueve en el centro del campamento y escupe fuego. Un lugar donde todo es posible, al menos durante una semana. Así se presenta esta primera iniciativa de la proto-arquitectura.
Para Paloma Sobrini, reciente decana del Colegio de Arquitectos de Madrid, la muestra aparece «en un tiempo en el que el dibujo asistido por ordenador nos puede encauzar en un mundo de ilustración arquitectónica y posibles engaños»: «Nos ha parecido importante apostar por la maqueta de idea inicial como generador de espacio noble y sin trampas. Hay territorios que no debíamos nunca abandonar», señala.
Los encargados de esta iniciativa pertenecen a la comisión de cultura del COAM, compuesta por Rubén Picado, María José de Blas, Luis Úrculo, Néstor Montenegro, Carmen Reques, y María Cortina, todo ellos con la colaboración de Carmen García Jalón, Gerente de la Fundación, y de Beatriz Matos, vocal de Cultura.
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Tags: Colegio de Arquitectos de Madrid, exposición, Madrid, maquetas
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El Camp Nou 1957-2007 … y 10 nuevas propuestas
Con motivo de la celebración del 50 aniversario de la inauguración del Camp Nou, el Fútbol Club Barcelona, con la participación del Colegio de Arquitectos de Cataluña (COAC) y la colaboración del Ayuntamiento de Barcelona, convoca un concurso internacional para proyectar su remodelación. La huella, sin embargo, del Camp Nou, nacido en 1957, prevalecerá en la estructura del nuevo edificio, así como el esqueleto de un organismo de lo que se regenera el tejido.
Los 10 equipos seleccionados para la última fase han sido Domingo-Ferre, CRV Arquitectos, Herzog & De Meuron, Foster & Partners, Sanaa, Martínez Lapeña-Torres, MAP-architects, GMP International, Ferrater-Serra-Vives-Cartagena-Arusport, y Claves|Llaves Kaan Architecten: todos ellos conjugan el espíritu del arquitecto del siglo XXI.
La Demarcación de Barcelona del COAC organiza una exposición en la que se puede ver el material de todas las propuestas participantes y la seleccionada, junto con el proyecto de 1957 de los arquitectos Medios, Soteras y G. Barbón, en lo que se convierte en una oportunidad para comprender un trabajo completo, desde su origen hasta hoy.
Lugar y fechas:
Del 25 de septiembre al 10 de noviembre de 2007
Sala de Exposiciones del COAC
Plaza Nova, 5. Barcelona.
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Le Corbusier en el Vitra Museum
Vitra Design Museum, Weil am Rhein, 29.09.2007 – 10.02.2008.
Una exposición del Vitra Design Museum en colaboración con el Nederlands Architectuur Institut y el Royal Institute of British Architects. Comisarios: Stanislaus von Moos, Arthur Rüegg, Mateo Kries
Hasta hoy, la obra de Le Corbusier (1887 – 1965) ocupa una posición central en la discusión sobre arquitectura y urbanismo. No obstante, desde 1987, ya no ha tenido lugar ninguna exposición amplia de su creación. Es por eso que el Vitra Design Museum, el Nederlands Architectuur Institut y el Royal Institute of British Architects se han unido, organizando una retrospectiva de la obra del “Architect of the Century“. “Le Corbusier – The Art of Architecture“ se mostrará desde el 29 de septiembre de 2007 hasta el 10 de febrero de 2008 en el Vitra Design Museum en Weil am Rhein. A continuación, la exposición se podrá ver en Lisboa, Liverpool, Londres y otros lugares. La obra de Le Corbusier que impresiona por su diversidad, se extiende sobre un período de 60 años - comenzando por sus primeras construcciones en su ciudad natal suiza La Chaux-de-Fonds, pasando por las “villas blancas” de los años veinte, como la Villa Savoye (1928-31), hasta su obra tardía, entre cuyos puntos culminantes se cuentan p.e. las construcciones en Chandigarh, India (1952-64). La exposición muestra el gran número de estas obras en un resumen cronológico. Dividida en las tres áreas, relativamente independientes, “Contexts”, “Privacy and Publicity” asi como “Built Art”, destaca, al mismo tiempo, temas que facilitan una base importante para la comprensión de la obra de Le Corbusier. Uno de ellos es su interés por lo mediterráneo y el Oriente, su tendencia hacia las formas orgánicas en los años treinta, pero también su interés por nuevas tecnologías y medios. Sólo al contemplar estos y otros aspectos conjuntamente, se puede conseguir una comprensión global de una Obra cuya idea clave era la “síntesis de las artes”, que se manifiesta en la conjugación típicamente corbusiana de arquitectura, urbanismo, pintura, diseño, cine y otras disciplinas.
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Tags: arquitectura, exposición, Le Corbusier, Vitra Museum, Weil am Rhein
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